局部第一季

这一年，一门心思想成为代表性画家的杜尚参加了立体派的展览，潜心创造了著名的油画《下楼的裸女》，其实这幅画的动感非常有韵律感，只是对于评委而言这个作品就完全是不符合他们的审美，他们要求杜尚更改作品，杜尚没想到自诩倡导自由的先锋派竟然也 说是立体主义的极端表现。

原创/小孙字典没输字

幸好杜尚没有人云亦云，他凭着自己独立思考的能力，思想和情感没有受到群体的感染，变得颓唐和放弃。之后他凭着《泉》和独白成为了当代艺术的传奇，他又彻底颠覆了传统，神秘的蒙娜丽莎加了胡子后变成《L.H.O.O.Q》。

原创/小孙字典没输字

杜尚抱着玩的态度去工作和享受人生，他一边创作艺术，一边沉醉下棋，顺便结识了一批狂热的国际象棋爱好者，国际象棋夺走了他全部的注意力，甚至一度对画画的兴趣也淡漠许多。也许在他下棋博弈的时候获得了难得的宁静，完全没有对艺术品的嘈杂评论。

原创/小孙字典没输字

杜尚在颠覆性的艺术行为中宣泄了他的人生态度，抨击了传统的西方艺术内涵，也颠覆了观众对艺术的认知。他的一生也像自己的艺术充满着荒诞的黑色与有趣的灰色。

第二季已经出来了，我才偶然看到第一季。好像前阵子《千里江山图》大热的时候，也谈论到陈丹青。对热点这东西我一直都不太留心，并没有什么骄傲的资本，却不知道这样的态度算不算另一种自负。其实这种状况很像看各色展览，逛各种博物馆，你总是避不开人群，但是又别无选择。然而对于看一档节目就自由很多，当它冷却下来不再被热议，如果某一刻它仍然吸引了你，就如一场偶遇般惊喜。正如陈丹青说他去佛罗伦萨的圣马可教堂，看一间间小禅房里安吉里柯的湿壁画。同样的宗教题材，同样的人物画面，在这般安静的无人打扰的情形下，此刻仿佛化身其间修行的僧侣，你会有许多不一样的感受。画与它所产生的环境是一体的，你会明白为什么安吉里柯宁愿放弃做高官的机会，只想在这里画画。

片头的音乐让我想起《从卢浮宫到紫禁城》，当时看这部纪录片的时候，不太明白为什么到了最后就成了东西方绘画的对比。现在才明白，原来绘画在西方艺术史相当长的时间里占据着绝大多数的篇幅。纪录片介绍的是主流的大众的，而陈丹青讲的是完全私人的。他很认真的写了讲稿，甚至写得很文艺，但他非要端着稿纸好似漫不经心地念出来，似乎在告诉我们这档节目属于“订件”。然而他越是漫不经心你越是听得仔细，恐怕一个思维跟不上，就会少许多美妙的体验似的。可是他讲的仅仅是“局部”，或许他自己都不知道自己讲了些什么。他是自负的，当他说到人们向他索求答案的时候他会想死，当他看到那些考美院的孩子们的素描时他会想死。这种没有原因可说也许就是另一种自负吧，只是他用了相当谦逊于主流的方式来表达，然而越是冷静就越是鄙夷，他的自负比木心高明。

木心赞美鲁迅写的雪，然而他自己写的我以为比不上鲁迅。有一次我看到，木心拿自己和曹雪芹比，这种狂妄或许近似梵高认为自己将来会闻名世界一样，是艺术家的特质。然而我只想问问，即便木心和曹雪芹可比，那么我们的时代和曹雪芹的时代能不能比，如何比？实际上许多事败就败在你要去比，只要一比，就势必会把自己的思维困住，尚未下笔，就已经输了。而陈丹青说，世界历史上之所以有那么多伟大的文明，是因为他们不知有彼此。古希腊、古埃及、古巴比伦、古代中国都是如此。我们是历史的后来者，我们什么都知道，所以我们控制不住要自作聪明地去比较一番，这才是一本正经胡说八道。

我们如何去比较我们的上下五千年？你喜欢哪个朝代或者不喜欢哪个朝代。如果严肃一点说，你没有喜不喜欢的资格，你只能去了解、认识，尽可能的接纳。陈丹青说到徐扬的《南巡图》，诚然清朝是柔弱的、萎靡的、艳俗的，然而这就是清朝，和你所了解的广汉盛唐一样，它的存在不可替代。

陈丹青说王希孟的年轻，说梵高的憨，说古希腊是人类历史的少年期。他是在说一种元气和灵气，说人之生来的你没有办法的天分，这一点才是最稀缺最要紧的。如果少了这一点，你可以有学术，可以有传统，也可以有技巧，但却都构不成那个特别的你。我们这个时代，和以往不同的是，并不存在什么迫切需要解决的，尖锐到关乎生死的矛盾，所以我们的信仰也并不是那些可以拿出来呐喊的凛然大义。没有什么鲜明的旗帜，很包容也很多元，我们只想听点新鲜的。不一定要有什么用，而这一点新鲜却格外的难得。比如大多数人认可古希腊的雕塑是静穆的，而鲁迅偏要说，它们在诞生的时候也是雪白的，崭新的，在阳光下发闪的。

我们这一生会学到许多东西，眼界也会随着所学一点点广阔。可是等你老了再来看，却发现念念不忘的还是那几个作家，那几部电影，那几幅画，那几首歌。好像我们的情感归属其实老早就定格在自己的青春时代，只是有的人会一直保留着这元气和灵气，而有的人则一辈子纠结挣扎。我们不断地练习，不断地练习，却丝毫也不敢说自己到了怎样的程度。我们只想等来上帝垂青的那一刻，好像那幅画不是你画的，那首诗也不是你写的，正如王希孟一样，那是上帝让他画的。

＊E1《千里江山图》王希孟

现藏 故宫博物院

陈丹青评价这幅画中提到“通常成年的老熟的大师，喜欢做减法。也就是所谓取舍和概括。可十八岁英年的王希孟呢，他是忙着做加法。人在十八岁年纪，才会有这股子雄心和细心。”所谓雄心，是和千里江山的壮阔一脉相承的，在年轻的时候，在自信和激情的加持下，呈现出的东西总是充满生机和力量的。陈在第二集《死亡的胜利》中提到“各种艺术的成熟壮大，根子全部在早期。”“早期作品都很简单，但是生猛。都很幼稚，但是天真。都难免粗糙，但是精力饱满。用中国的古画就是元气淋漓。” 因为元气和内在的欣喜，王希孟挥笔成就这样一幅酣畅淋漓的画。本集末尾陈丹青如是说“十八岁干的事，多半是不自知的。他好也好在不自知。在《千里江山图》中，我分明看见一位美少年，他不可能老。他正好十八岁。长几岁，小几岁，不会有《千里江山图》。他好像知道。过几年就死了。”

《菜根谭》言 “涉世浅，点染亦浅；历事深，机械亦深。故君子与其练达，不若朴鲁；与其曲谨，不若疏狂”。我追崇那份赤子之心。在浮躁的社会中，不论社会怎么加诸于现实的残酷与不安，只惟愿对艺术与美的激情永不消减。

另外这一集中关于绘画创作，陈认为“绘画是手绘的，手艺第一。手艺之上，又是眼光第一。这个眼光，分两层。一是观察之眼，一个是指一边画着，一边你怎么判断自己这幅画，属于经验范畴，是不可学不可教，所谓天份，实指这个。”作为一个庸庸无为的欣赏者，我可以理解为我一贯很喜欢的一种状态，即“既置身其中，又处身事外。”置身其中，意味着全神贯注地投入，物我合一。处身事外，即所谓对作品的判断。要成就艺术，须有独特的艺术眼光，在艺术史的洪流中，能够被记住的人，既是传承者更是开拓者和引领者。一味临摹，是匠人；发挥自身的才气，实现美感的创新，才是艺术家。

＊E2《死亡的胜利》布法马可

现位于 意大利圣墓园（比萨斜塔旁边）

gorgeous：欧洲湿壁画（教堂里）& 魏晋唐宋·工笔重彩画

▲斯宾格勒《西方的没落》：各文明、各种文化都有一个春夏秋冬、生老病死，那么每个画家，每个画派，也都有自己的早期、中期、盛期、晚期，然后没落，然后死亡。

▲关注早期的作品

北魏的敦煌壁画——元气淋漓，动人，想象力

eg：无名作者《舍身饲虎图》

云岗石窟compare with 龙门石窟：前者的雄大气魄甚于后者

▲艺术顶顶要紧的，不是知识、不是熟练，也不是所谓的文化教养，而是直觉、本能和最最新鲜的感受力。

美感是需要导引和学习的。——贡布里希

＃绘画内容：关于死亡，棺材，尸体，屠杀（西方经常出现的主题）

The corpse is alive,as corpse:it is the living image of a dead thing.尸体作为尸体，是活生生的。——罗兰·巴特

中国人少画棺材和尸体

compare：透露出不同国家关于死亡的认知和其中显现出的差异。

＊E3 人民的胜利· 蒋兆和《流民图》

1943 展于北京太庙 现藏于中国美术馆

＊E4 初习的作品·《海边的渔夫》1883 梵高

阿姆斯特丹市中心·梵高博物馆

阿姆斯特丹乡下 席勒·姆勒博物馆 梵高初期作品

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作者：小山

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今天继续说说陈丹青的《局部》，这次是增补版。我准备分集好好说一说，可能在说的过程中，如果有偏题的行为，请见谅。 《局部》出了11集，我现在看到第八集，总的来说，这是一部非常浅显易懂的美术节目，我暂时还不知道如何形容这节目，至少它不是娱乐、综艺类节目，而人文方面也不是很强。姑且把它定性为美育类节目。 和其他节目相比，陈丹青在讲美术的过程中，可以说是用一种近乎于低的方式来谈，在谈的过程中，有他自己的美术理念和美术想法在里面。我们从第一集就能明显的看出来。 第一集、 《局部》的第一集题目叫：千里江山图。我第一次看时，以为陈丹青就是讲画，因为我负责了一档美术类微信，当然大多数时候是在说日本的设计、西方美术史，一般不敢涉及我们国家的美术。仔细看这节目，陈丹青讲《千里江山图》时，在读完题跋后，会顺带说一下，断句如果不准确，希望国学家海涵之类的话。这并非陈丹青的谦辞，而是我们国家的美术提倡书画一体，古人写东西，没有标点符号，今人在解读时，会从字到画，整个解读，所以断句不准确，影响很大，陈丹青在讲这幅画时，并没有放开来讲。 不过这毕竟是第一讲，有些生疏也是一定的，我们看后面的节目就知道，他越来越游刃有余，收放自如。 不说这个，继续说节目内容。我们国家的美术是不好讲的，其原因无非就是一些考证、主旋律、画作分析等等，都不好讲。除了这些，我觉得更重要的是，撕逼太严重。有个词叫：文人相轻。这个词用到绘画上也是一样，艺术这东西，在我们国家很难说谁谁谁最牛逼，谁谁谁就是大师。就算是知道，写出来，也会有人去扒他们的黑历史。这里就不详细说了。陈丹青在《局部》的第三集里面已经提到，感兴趣的看了这一期节目，想要详细了解那幅《流民图》的，可以去网上查资料。 第一集，陈丹青其实是借《千里江山图》引出王希孟，表达的是年轻人在绘画上的天赋，列举一系列西方在艺术成就上非常牛逼、年轻有为的画家、音乐家、作家等等。从个人感触方面来说，陈丹青一是在鼓励年轻人，要有思想，要敢想敢做，当然这并不是说像一些互联网上一些90后那样吹牛逼，艺术与创业开公司是有非常大的差别。艺术可以是个人，企业必须全盘考量。 这里可以扩展一下，为什么我们国家这么多学美术的，到现在为止，也没有年轻人能画出伟大的作品？如果看过陈丹青在《锵锵三人行》上的演讲，我们会知道，他其实非常不喜欢讲美术，而一讲，便对我们国家的美术教育不满。你会从他的语言里会听到「学美术没什么用」、「画这么好干嘛，已经有摄像机，根本就没必要拥有这么多画家」等等。只要讲美术，他就是语不惊人死不休的感觉。 其实这是有原因的，他之所以不喜欢孩子学美术，最大的一点就是那些孩子不是真心喜欢画画，只为应付考试（也就是艺考），还有一点就是，画得好真的没用，画家并非比武，靠技艺取胜，而是靠纯粹美和思想。这一点他在《局部》后面几集里讲梵高，最为强烈。借用他自己说的，我们国家的美术教育，是反艺术的。 我们不能说整个国家出不了美术人才，出不了伟大的画家。或许更多的原因是这个社会关于艺术的培养是有问题的。 最后说一下，关于王希孟这个人，我在网上查到的资料是，这个人在史书中是没有记载的，而《千里江山图》没有其本人的款印，画上的题跋是蔡京所著。这又是为什么呢？现在你知道为什么我们国家的美术难讲了吧！ 第二集、 死亡到底是什么？在第二讲里，陈丹青讲了名叫《死亡的胜利》的一幅画。大多数时候，《局部》的标题可以忽略不计，陈丹青在讲一集时，可以延伸出很多内容，比如讲死亡，会涉及到中西美术的对死亡的看法，会涉及到美术的培养和教育，会涉及到战争等等。 说我们是一个破坏的国家，或许不那么为过，如果《死亡的胜利》这幅壁画出现在我们国家，被破坏成碎片后，会有人去修复吗？当然这幅画并不会出现在我们国家，因为我们国家的主旋律是《千里江山图》，并非《死亡的胜利》。大多数画寄情山水和人物，很少涉及死亡的命题。就算涉及死亡和鬼魂之类，中西方之间在绘画上的差异也会很大。比如在灵魂表现上，西方在表现灵魂时，会是赤裸裸，会用一杆称来称灵魂的重量，太重的就下地狱，轻的就上天堂。而我们国家会忽略这些逻辑，鬼魂是能穿上衣服的，这在西方美术是看不见的。 节目里讲到，《死亡的胜利》这幅壁画可以和敦煌壁画相媲美，那这是为什么呢？这里有许多历史原因，如果要了解，可以去看一本叫《美的历程》这本书，书里第五章和第六章，从各个层面讲诉了魏晋时期的书法、绘画、诗词等。一个时代它艺术形式的出现和产生，有其必然性，敦煌壁画之所以那么惊天地泣鬼神，也是如此。就正如节目中所说，梵高不可能出现在文艺复兴时期一样。 节目中提到的美术的教育问题，对此我是赞成的。对美的追求如同读书，需要人去引导。人不可能一生下来就识字，也不可能一生下来就知道什么是真正的美、纯粹的美。读书之所以要人引导，是因为现在阿猫阿狗，无论是谁都能出一本书，读多了那些人写的书并不好。美也是这样，需要人去引导，可惜的是，我们从小就没人去引导过如何认识美，接触美。如果有谁提起美，就是土豪、牛逼之类的语言脱口而出，仿佛学美术就高人一等，其实不是这样。没有一个正确的观念去对待美术，是一件很悲哀的事情。陈丹青讲美术，我想就在上一堂美育课。 第三集、 讲中国美术，是一件蛮难的事情，这件事可以从政治、社会、历史等等各方面去总结、归纳。我们国家的美术喜欢撕逼，喜欢遮遮掩掩。陈丹青没有，于是第三集他讲了蒋兆和的《流民图》。 我不知道有多少人看过《艺术的故事》这本书，书里有一句画说的很妙：一幅画对于一个文盲的意义，好比一本书对一个识字的人的意义。我们每次去看美术展览，尤其是自己国家举办的展览，可以说，绝大部分的展览都是在讲抗战，讲那些很壮烈的故事。借用陈丹青的那句话：我们国家的主旋律是《千里江山图》，而不是《死亡的胜利》。现今很少有人知道蒋兆和的《流民图》也是这个原因。 很多时候，去看美术史，会很有趣，比如画家画画，都是谁要求他画？谁出钱包养他们？为什么埃及金字塔里的壁画脸谱型那么严重，而到了希腊，又那么的光华璀璨，文艺复兴又那么喜欢抠细节，搞得那么繁复……这一一切的一切看下来都非常有意思，如果再回头看看我们国家的美术史，对比之下，会发现西方永远在寻求变化，在寻求逻辑，在寻找自我。我们国家大多寄情于山水和人物，很少将画作投向底层人物，千百年来出一个，却又被活生生扼杀。 《流民图》到底怎样，我们这里不去评价，借用孟德斯鸠的一句话：人在苦难中，才更像一个人。 一个人，从一个时代、一个世纪去看一幅画、一系列画，会发现很多有意思的地方。画家有时候并不完全在画画，我想更多的，是在表达他们对这个世界的观点。 第四——八集、 第四集和第八集有很多雷同的地方，我一起讲了。个人觉得这几集最有意思的是陈丹青说的两个问题：梵高的画为什么那么好看？一幅画怎样才算画完？ 先说第一个问题，很多人都喜欢梵高的画，但为什么喜欢，没人能说清楚。大部分人一说梵高的画好，就说他用色喜欢用对冲的颜色，并且用的非常漂亮。要么就说《向日葵》，说他很大胆的把向日葵摆在画的正中间，大片大片的黄涂抹上去，令人着迷。无论怎么描述，梵高画的魅力，迄今为止，我没见人说清楚明白过。 陈丹青讲梵高，也没讲清楚。这并不是说他不知道，而是内心感受，已很难用语言去描述。他只能用一个字形容：「憨」。在我看来，或许用纯粹美更好一些。梵高这一辈子画画，是真喜欢，他生平没靠画画赚过钱，没开过影展，更没人要求他去画画，去改画。他只是喜欢画，仅此而已。也就是是喜欢到纯粹的地步，使得他的画，美的自然，也正是纯粹的爱，才让他永远拥有一种孩童般的眼光看世界，孩童的眼睛看见什么就是什么，梵高看见什么就画什么。不多不少，不增不减，老老实实。 很多画家终其一生都在追逐这种纯粹美。陈丹青也是，可惜很难达到。可以说这是画家一种终极追求，在很多人看来这或许很好笑，觉得如果是这样，那自己也能画画。要明白的是，画家在经过不断的绘画训练后，再走回原点，和就在原地踏步的人，是很不一样的，这是一种对美追逐的过程，除他自己，别人无法感受。 之后再说第二个问题，一幅画怎样才算画完。我当初看陈丹青讨论这个问题时，很惊讶，在我的印象里，画总有画完的时候，怎么可能没有完就拿出来了。后来才发现，他所说的完，已经上升到一种哲学上的高度，类似于人是怎么来的，人应该去哪儿等等。 美术到了「印象派」这一阶段，就变得无法琢磨，因为这一帮子人画画，基本上都是画给自己看的，画山、画水、画人等等，都是自己画着玩儿。他们不会为了谁去改画，就是为了单纯的快乐，当然这也导致他们过得都很清贫。 那一幅画到底怎样才算画完？没有答案，也可能有答案。不过我更多的相信，一幅画无论是画完，还是没画完，在每个艺术家看来，都有他特别的意义所在。我们不需要去纠结这个问题，太过于痴迷，反倒会把自己变得模糊。 最后，美术史没完，我只是抛装引玉，希望你能对美术感兴趣。谢谢你能看到最后。 --------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 昨夜翻阅张佳玮所写《莫奈和他的眼睛》，看完后久不能眠，思前想后甚觉堵得慌，只因这本书吊书袋子太过严重，书中对莫奈及印象派所写知识，甚为潦草。 1、 莫奈生平比较简单，以前做微信，曾有幸查阅资料，得知他是印象派代表人物，擅长光与影的实验与表现技法，启蒙美术老师布丹，结婚两次，妻子卡米耶、爱丽丝，有一帮印象派的好哥们，晚年眼病，死于1926年，一生所画500多幅画作，无非如此。 莫奈生平就同一杯白开水样，倒是张佳玮用吊书袋子的办法东平西凑，将它扩展开来，只是这种扩展方法，太过草草，对整个印象派产生的时代背景、文学背景、演变过程以及莫奈的绘画技法都了解得略为肤浅，不够深入透彻，甚至有些断章取义，春秋笔法的意味在里面。 对于莫奈及印象派那帮老哥们我了解得不多，也未在现实生活中看过真迹，如果要粗略的了解莫奈生平，个人建议上维基百科查阅就好，若要了解印象派绘画技法，最好的方式是看原画，自己去感受，不要被太多华丽的形容词所误导。张佳玮所写莫奈的传记，我是不敢苟同，也不推荐阅读的。 一部好的个人传记，从个人角度来说，要么是根据史料有所发挥和研究，要么就本本分分记录人物。如果充满大量形容词并配以不够深入的历史背景加以发挥阐述，甚至揣摩每个人的内心戏，只能当做茶余饭后的笑料，不足为信。 不过印象派的发展确实历经磨难，书中所言不假，用陈丹青在《局部》里的话说，这帮人走得太过前卫，以至于很苦，促使学院画派瞧不起他们。 只是现在西方对学院画派所犯下的错误几乎闭口不谈，不知为何。 2、 看完书本，闲来无事，我所幸翻出剩下4集《局部》看，陈丹青说是讲画，倒不如说在讲自己的喜好，历史，文学以及内心感受。他坐在那里，讲俄国列宾、苏里科夫，说俄国家画手大气粗，是饱含历史的画作，有人说好，有人说不好，这些都无可厚非，只是现在大多数人在谈美术史时，从西方，美英法德等国入手，甚至在西方的美术馆里，都很难见俄国画家的画。这是文化霸权主义？ 可能是，也可能不是。陈丹青在视频里不想用这种词，说一用便落了下乘。不过我倒觉得俄罗斯19世纪后对文化输出确实弱掉很多，至少我们国家西化倾斜是不言而喻的事。说文化霸权，还是俄国文化有些太过拘谨，或不如西方百花齐放有趣。 3、 之后说看画，去美术馆看过画的人，对一幅画的感受，与电脑和书本上看来的感受完全不一样。我以前看《蒙娜丽莎》，对着电脑和书本，以为是幅大画，后来翻美术史，书里写达芬奇无论在哪儿都带着《蒙娜丽莎》，心里总有不妥，直到在网上看见罗浮宫里的展出，才发现那不过是很小的画。当然，米开朗基罗在教堂墙壁上画的《创世纪》更为惊人。一幅画在现场看，位于何种位置，对于欣赏者来说，都有不可思议的感受。 我个人既爱，又恨在美术馆看画，爱是迫不得已，恨是一幅画与美术馆的场景不合，像一场面宏大悲伤的作品，配上白色的墙面，挂在那里，隐隐有不舒服之感。若遇到一些雕塑，摆放位置狭小，无法转圈看，也是一大损失。不过全世界大多数的美术作品都已不在原位，希腊的在英法德都有，中国长卷画若太长，无法完整呈现，也不行。唯有那些西方教堂和东方古建筑里，人走进去能看见一幅幅漂亮的壁画，基督教，佛教的画，历经岁月，虽微有裂痕，却古朴的摆放在那里，使人静穆。 4、 在《局部》倒数第二集，有个观点非常有趣：超越。透过电脑屏幕我第一次看见一组名为《巨人的战役》的雕塑，镜头里那些遒劲的肌肉、挣扎的面孔透露出来的胆魄与气势，时隔千年，经久不衰。 真正的艺术家心里知道，希腊雕刻家的胆魄和能力，自己是无法超越的。无论是有人将罗丹比作伦勃朗，还是亨利·摩尔与希腊雕刻家相提并论，谦逊的艺术家们会慎重告诫别人，提醒自己，前人之作无法超越。那种伟大，是一种虔诚的佩服。 这不禁令我想到文学，古人说文无第一，武无第二。那真正的文学，有没有所谓的高低之分。或许真正的文学家，在心里也会有几位无法超越的前者吧。 5、 最后说说现代艺术，我去年差不多去川美看过几次美术展，九大美院的作品来罗中立美术馆展出，我也跑去看过，看时只觉处处惊喜，欢喜不已，整个美术展可以呆一天，一幅一幅画仔仔细细的看。有的巧藏机关，如发现，会心一笑，有的甚为不解，像小时候做奥数题，抓头挠耳，看明白后哈哈大笑，看不明白则暗自伤叹。 现代艺术很不好讲，仔细说来，何谓现代艺术，有的人觉得塞尚死后，也就是从1907年算是现代。有的人则认为从杜尚开始算作现代艺术。从表现上来说，艺术已抛开雕刻、绘画，已如行为艺术，表演艺术，观念艺术等等百花齐放的种类。我就看这些一件件从眼前闪过，猛然惊醒，恍然明白去年在各大美术学院所看的作品，无不有这些艺术的痕迹在里面，走过一圈，回到原点，内心悲喜交织，到最后到底是伤心失意多过欢喜，那一刻也明白拾人牙慧的含义。 现代艺术已超过了绘画和雕塑。它是前进还是倒退姑且不论（现在也没法论，或者很难论），但绘画所承载的历史意义，已在退去，人们不必去看一幅画明白佛祖或者耶稣在传什么教义，也不必因为彰显家中气氛购买一幅画。现在也几乎很少人靠绘画或雕刻为生。一切的种种，都意味着这个时代，已经不太需要绘画，它正在被边缘化。 那艺术该何去何从？陈丹青没说，也没法说。或许，我想，一切都应交给时间这把公平的尺子，它自会引导艺术向前走。

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作者：小山

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1⃣️0⃣️ 《民国女画家》

陈丹青先生说起民国女画家的时候，嘴角带着一抹温情的微笑，然后缓缓地、缓缓地说着话，话语如同暖阳之光，不同于之前的冷寂静谧，它从窗外洋洋洒洒、正大光明地浸入我们的躯体与思想。

原创|小孙字典没输字

民国时代可以说是女性崛起的年代，从林徽因、宋氏三姐妹、陆小曼和杨绛等等，这些女人从外貌亦或是智慧都独具韵味，这些女性追求平等、渴望成功的欲望很强烈。我们也能感悟到她们的倔强，感悟到她们如何义无反顾地创造生命，仿佛为当初战争年代的灰暗里加添了希望。

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这次提到两位中国女画家，一位是上海女子关紫兰先生，明艳的长相养出来一团静气，这团静气在画笔中也得以晕染开来，下笔颇有胆气，画笔纵横涂抹表现出娴静艳丽的欢愉气息。而关紫兰的后半生大隐隐于市却也不掩她侠情柔骨的另一面，她施以援手资助恩师的孩子上学，鼎力相助恩师的家人归国，那层美丽的外表下流淌着人类的高尚品德。人至暮年的她成了穿行上海弄堂间的妇人，偶尔爱去铜仁路喝咖啡，每月会去理发店修饰自己，嘱咐子女在她去世后洒骨灰到西湖，这样可以每年到西湖旅游，正是这样淡泊的态度成全她与世界一次坦诚的相知相惜。

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曾经名噪一时的关紫兰先生这一生也给我们启示，女人到了一定的年纪，即使是独一无二的也需向统一退让，即使是自由的也需向规则妥协，即使有着孤独的魂魄也需亲近群体，这才是能延续自己的生命。

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另一位民国女性画家丘堤先生，她不同留学日本的关紫兰先生那东洋路数，而是典型的法国路数，受到法国留学的丈夫影响，她掌握了温和的“立体主义”架构，画作有一种素简的气息，旧日的温良恭俭入了画魂，笔者偏爱她的《栀子花》，浓淡恰到好处，不温不火的风格使得物体有一种通透感。看着《静物之二》光线洒在物体上面，让我们卸下生活的铠甲为《静物之二》里的物件和阳光停下来，感受到了一股佛的慈心。

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这期视频是最喜欢的，她们带着积淀时光的风雅碎步，轻轻叩响笔者的心门，相信这期视频会给你沉淀浮躁的内心，让你看到另一端日子的艰难与温情。

1⃣️1⃣️《徐杨的功德》

世人皆知《清明上河图》，当我们的目光被它吸引的时候，再去看还有一副画也存在着重大的意义，这就是徐杨所绘的《乾隆南巡图》，每一个笔触都铿锵有力，那些风光、壮观的画面，不过因为是宫廷画师徐杨们在我们看不见的时候，流下了想象不到的汗水。

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这副画全凭画家的高超记忆力和精湛技术，描绘乾隆十六年乾隆皇帝第一次南巡的情景，让当时的“人间天堂，盛世繁华”的苏州城盛况出现在世人眼里，这是一件非常有历史价值的作品，真实反应当时社会风貌的纪实风格画卷。中国拥有千年悠久的历史文化，我们作为炎黄子孙在历史的长河中寻找到一份情感的寄托，这样的画卷给后世遗留下了令人惊叹的历史。

嘿！从室内到户外，换地盘了！哈哈哈！豁然开朗！

1⃣️2⃣️《讯息与景别》

话说陈丹青老师提到画家卡帕奇奥眼睛不安分的时候，笔者不由得联想到疫情前那个无比快乐看着各路无名帅哥的自己，不安分的眼神也是捕捉美的眼睛，画下神明赐予世界的丑陋与美丽，即使是猖獗的丑陋，经过画家的神来之笔在观众眼中也只有满纸诉无尽的美丽，如火如荼地怒放，跃然纸上的智慧与美丽让后人的眼眸触及心灵并且重读信仰。

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卡帕齐奥的透视法，永远设定观众在现场，从观众的位置看出去，远远望去有很多人游荡。而说到透视法，中国的长卷画与散点透视、移步换景相关，其“旷观”视角在古代好比纪录片的写实角度，然而这样“旷观”的角度就此止步于徐扬和王希孟，这样的美术史秘密就永远遗失了，去世的艺术家就此永远沉默了。

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不知为啥陈丹青先生在乌镇老宅前莫名流露出一种羞涩的感觉，乌镇也是很喜爱的古镇，尤其是晚上的乌镇夜色很迷人，暖黄色的灯光，那种暖色让人驻足留恋，早上那么多人瞬间消隐在低垂的夜景里，乌镇，按照旷观角度东栅的原生态文化底蕴、西栅的繁华喧嚣，如果是卡帕齐奥的透视法那就是亦或是泛舟在迷离的水乡上，遇颇有雅兴的船家即兴哼唱，亦或是找家有热气腾腾的小饭馆儿，惬意的吃着美味佳肴（记得光盘！），亦或是石桥上看着灯火辉煌的建筑。

原创|小孙字典没输字

以眼画美景，以笔写美景，以心记美景，这个场景从未离开过。