乐队的夏天 第一季

继续追《乐队的夏天》，第8期看得热血沸腾，连夜写下本篇。

这个夏天参赛的乐队，或许不会想到，自己会对这场声音游戏彻底的沉迷。我也不会想到自己会像今晚写文这一刻的情绪激动，有种喝到呛口但好喝老酒的舒畅。

这一期唱理想，刺猬一出来就四野炸裂。他们说自己是玩荷尔蒙的乐队，这场《24小时摇滚聚会》就是如此表现。如果这首歌一飚到底，那就是常见的编曲，冲劲谁不曾有，但一鼓作气，再而衰，三而竭。丧丧的子健唱着酷酷的歌，让我想起以前看朴树的现场，他在台上说：哥们儿都这么丧了还要唱歌来安慰你，你看生活好像还可以继续一下，大家笑成一团。

在乐夏周边，关于上周girlfriend这首歌，刺猬还排练了一首没有鼓的。子健说，看，没有鼓好听多了。但是太无聊了。就是要加一些不安分的噪音，这才有意思。

在人群嗨到顶点，迎来的是一段音色很不明晰，很有grunge感觉的合奏段落。这样的段落让温度降下来，但合成器的声音在游移，在你我的心脏边缘试探。随之爆发出来的子健吉他弹奏，虽然弦不准，却更有种“仰天大笑出门去”的不亦快哉。

在编曲里，一冲到底很常见，而中途刹车进入另一个梦，再从另一座山峰跳水而下，这样的编曲让歌曲有了强烈起伏，音乐从不是那样的畅快，如同少年直爽的心气常常面临阻塞。

柯本的《少年心气》到底在说什么呢？就是那种经脉乱窜却找不到一个石头或一个人类可以去诉求。那种青春燃烧着却无人感受的温度，撕裂又合拢再次撕裂的伤口，那些以为早已醒来却又总要睡去的梦，就这样冒着血腥气，却伪装成绝世美味的甜点，你看穿了这一切，然后微笑吃下了它。

如同戴帽子的小乐活在汗水与夏的曼彻斯特，子健又砸起吉他。摇滚明星总是爱砸吉他，我想到谢霆锋说，他年少时砸了吉他，又小心的把每一块碎片捡回来拼好，觉得太可惜了。

四处流窜的青春经脉，总把一颗星星当做明灯。当他历经凡事，终达于此，便成那星。

这场海龟先生反复唱着，“往哪儿走”，在理想和命运的十字路口，要往哪儿走呢？听这首歌的时候，我脑子里恍惚这些年的时光和脚下成都的土地。现在晃得比以前还常常，人们早已习以为常。要知道在我在四川出生的前二十年，根本没有关于地震的印象。人虽然不知道要往哪儿走，却总是能清醒知道自己不想去的方向。

李红旗这次表演得很放松，关于乐队离散的故事，也让我心潮澎湃。虽然类似的故事随便一个编剧都不想提笔书写，因为听起来太套路了。但真实的力量，就是这样大锤直击胸口。虽然你走了，我夜里的心和舞台的侧面都还留着你的位置。最后一大老爷们松下口来说，回来吧，一起做音乐吧。哎呀太虐了。

就算这生活看起来套路又套路，却在重复中充满迷人的戏剧冲突。它就是里面放着薛定谔的猫的，俄罗斯套娃，你根本不知道里面有啥，我们穷极一生，就是一层层揭开盖子的过程。最后很可能不是巧克力，我们的生命有可能，只是一张批发的糖纸，却如此，充满该死的吸引力。

在其它乐队选择疯狂的时候，九连真人安静唱起了不插电。一开始阿龙头顶雨伞，唱着陈达那个年代的《思想起》由头，我并不知道是为什么。直到后来知道他们家乡的水灾，这一切就变得合理。阿民辛辛苦苦的做足七天工，只是为了赚得几文铜钱，让梦想再续命一分。

我们都那样的提心吊胆，不知道此刻输进去的，是感冒的普通点滴，还是icu里的救命灵药。我们顾不了这么多，只想要用尽心力，再给它一次重来的机会。

沉默寡言的人，穿梭在市场路，北门路，板车叮叮铛叮。那年台北也有个青年小李，帮家里无惧风雨的扛瓦斯，那时的他，考不上好学校的他，唱着“没有人知道 我的心”的他，终有一天走向了更大舞台，越过了重重山丘，花白的头发站在风中，发现前方早已无人等候。

九连这场的感情饱满的像暴雨来临前的水面，我不知道阿麦怎么弹着键盘就哭了，以为只是想起做音乐的艰辛。结果他是想着无法和家乡的人在一起。我很喜欢青峰说的话，他还是这么温柔，在灾难来临的时候，人常是渺小的。我们只有努力稳住心神，努力发出自己的微小之光，稳定自己，也照亮别人借过一下的这几米路程。

我想起罗大佑在演唱会现场，说他的父亲不怎么唱歌，但有年地震，他们在帐篷里，父亲用并不好听的嗓音唱起了《绿岛小夜曲》。我想在他幼小的心灵里，音乐的种子在那一刻开花了，对于需要灌溉的井，那是延续一生的养分。

旅行团这次上演绝地归来。上次剪辑各种暗示他们要被淘汰了，我就知道肯定还在，只是没有想这么好到第一名。录制两天之间，心情大起大落，难怪他们爱吃火锅。看这两场团儿的演出，就像是从清澈菌汤锅到红油浓汤锅，敢情现场乐迷喜欢吃鸳鸯锅。

乐队的夏天精彩纷呈，就在于这起伏。比如痛仰早早就被淘汰了，而我相信他们会荣耀归来。我们不要看英雄吊打小喽啰的戏份，我们喜欢看势均力敌的人近身格斗。这期拳拳到肉，打得我吐血十升，我还以为自己可以像前几期一样冷静分析，而现在一个老空调嗡嗡的夏夜里，浓郁得上了头。

我看过很多次旅行团的现场，他们从来都没有像今晚这样。不是说他们不够认真，而是今晚他们背负耻辱而豁出去的样子，让喜欢了十年的我刮目相看。如果说以前他们唱这首歌，叛逆的感觉只是隔靴搔痒，今天这次演出就是把腿卸下来给你看：这腿老纸不要了行不，就算双膝跪地我也不要求饶，谢谢。

然后乐评人纷纷绿灯的场景把我笑翻了，生命的真谛大概就是正面硬刚，怕是没用的。

这场我最喜欢的是新裤子，不为什么，就因为一个奶爸对热爱的执着。在我看来，这首歌很像是《花火》的日常琐事升级版。你瞧彭老磊有娃要喂，有老婆要安慰，有皱纹要去打破，有那么多朋友圈要忙着拉黑。但就是这样无聊的跟白开水一样的生活，也要热烈的像昙花一现的花火。

那些颓了疯了挂了的到底是谁？蜡烛熄灭一次，就越接近中年那激烈沉默的春天，你站在那四月的风里，低下头来，独自品尝着生活的甘苦。生活的压力和生命的尊严，每个人都无法挣脱的抉择日日上演。你想要蒸蒸日上吗，那请弯下你的膝盖吧。当你低头想要寻找，发现它已被早出晚归碾碎。

只是再麻木的心脏里，也跳动着60bpm+的节拍。他也许不知道，他也会像刺猬最后的加速演奏一样，在某一瞬间失了稳定的常态。他惊慌失措得像个巨大的孩子，却在这一刻重拾久违的快乐，以前我们看不见这么多规矩和格言的巨像。越长大越孤单不是说人都挂了，而是人都没挂，结果相见不相识。

这就是艺术给人们的感动，他不需要知道和弦音阶歌曲桥段，只需带上耳朵和直觉生活。如同万青《秦皇岛》前面海浪拂过的吉他扫弦声，彭磊心中孤独的北海怪兽，正一次次借着摇滚乐还魂复活，很开心的，这耀眼我们都曾见过。

这期的主题是理想。罗大佑在《未来的主人翁里》写："在人潮汹涌的十字路口/每个人在痴痴的等/每个人的眼睛都望着那/象征命运的红绿灯"

每次听这首歌，我就想象人们站在路口，茫然四顾的样子。他清楚要去哪里，她正迷惘。他不知道他和她正要遇见，如同他不知道他和她要分别。生活像雾气一样漫过我们的身体，将我们笼罩其中，我们无法抗拒，直到它变成我们的呼吸。

有人忘记了理想，有人负重前行。有人故作轻松，有人年少老去。歌的末尾，歌者一直唱着：就这么飘来飘去，就这么飘来飘去。从上世纪六零年代一直飘到新千年的2019，没人得到答案。

答案是风中之尘，我们能做的就是一路狂奔，就算只是抓得几颗平凡的砂砾，也可露出自信微笑，终觉此生安稳。————————————————————————————————————————————————

继续追《乐队的夏天》，来说说第7期。

第七期内容满载，台上有大张伟和老狼的加入，乐队则迎来了女神们的合作。

先说欧阳娜娜与盘尼西林。英伦摇滚本身注重旋律性，大提琴也是玩旋律的好乐器，最常见的Cello Suite No.1 in G major:Ⅰ Prelude，或者我喜欢听马友友拉的海上钢琴师主题旋律《playing love》。但是这次的合作，大提琴的部分几乎被电声盖住了，这就导致娜娜虽然全程拉得很起劲，实际和贝司的部分相互抵消，不太听得见。

同样是大提琴，上周的刺猬《白日梦蓝》则是成为很主要的乐器，支撑着整个乐队的进行。并不是说一定要全程突出就是好，而是比如say it again的尾奏，交给大提琴solo，不仅能更突出娜娜，也会让本身英伦的常见进行里，增加古典的新意。

新裤子这场真的有点酷。我觉得它要探讨的内容，有点像蔡依林刚得了金曲30最佳专辑的标题《Ugly Beauty》。美之美在，其不唯一。我觉得人们对美的反抗，也是美的进化途径。要是几百年前的人跑到现在，一定会觉得我们都是妖怪吧。

搭配Cindy演唱的新歌词，仿佛看到《我的滑板鞋》的新裤子版。当初滑板鞋出来的时候，很多都在笑，笑着笑着却感到一种神奇的迷之感动。因为它里面有种纯粹，那种有双滑板鞋就可以舞动一天的快乐，听一首新裤子就可以加速跳动一宿的心脏，会不会淹没在日复一日的日常里呢？当灰姑娘和舞台上的耀眼明星手指交叉，这才是真的破壁瞬间。

接下来说九连真人。他们保持了一如既往的水平，《招娣》这首歌探讨的是传统的男女生养观。而VAVA出来的时候虽然音乐更炸，但在我心里气势就弱掉了。因为我特别看重歌词，而这段rap是游离在招娣这个主题之外的，阿龙叠唱的很像童谣的段落很有气质，但女生的rap我感觉在划水，又或者现在流行这样的rap？

我来写一段《招娣》的女生中文rap试试看，假如我是那个出生是为了招来弟弟的女生，会这样唱：

我的名字为了他的未来/可我的将来有谁要关怀/世间人来人往潮落潮涨/我躲在孤独角落 把苦埋藏

说什么男女都一样/拆穿这谎言 如打碎格言石像/我的心脏是任你标签的破烂衣裳/黑色的云朵 你可懂欣赏

要把这虚华都看破/挣脱名字的枷锁/不做你眼中的 开花之果/我是路边无名 野花一朵/不惧风雨 摇曳成国/

接下来说刺猬、斯斯与帆的合作。英文歌词好简单好喜欢，有种you are my sunshine的感觉。子健这场没有唱，让台上的两个女生主唱，从电声桥段切换到原声桥段，我也好喜欢“狡猾的纯真”这个意向。但是后面跟上来的一句“在现实间映射”太让人出戏了，有种从抓鱼的童年直接跳到路由器设置页面的感觉。

而回到英文部分，这甜甜的感觉好适合小女生唱，是沙滩和气泡水的感觉啊。所以阿童木才哭的稀里哗啦，可能她看到台上站着的帆帆，仿佛看到平行时空另一个自己。恍惚之间我仿佛看到《NaNa》里的两个NANA在交织，那个很酷的和很胆小的，是不是都住在每个人身体里呢。

旅行团这场遭遇滑铁卢。并不是传统审美的美女大家就一定排斥啊，主要还是歌没选对。比如拿团儿的《lonely day》当intro来对着女生唱，唱完再切《悠长假期》，完美契合乐队夏天主题嘛。嘿头顶上炙热太阳，而现在你在身旁，我复杂的情绪像苦涩又甜的太妃糖。

本来唱跳就是一个专业活儿，不信你可以看蔡依林现场唱《PLAY我呸》。乐队跳舞本身就不讨喜，你看五月天当年为了对抗5566还短暂练跳舞，后来再也没动过哈哈哈。这大概真的不能怪歌迷口味啦，真的喜欢跳舞的，不就去隔壁看街舞综艺了嘛。

还是期待下场可以翻盘，毕竟喜欢了快十年，而且乐队有新番他们有很多画面，还想继续追下去。

最后说海龟先生。那些看起来酷酷的人有时候真的很好玩，这里有看见薛凯琪脸红到耳朵根的，隔壁综艺有热狗跟王源抢着坐木马。这首歌刚毕业在成都我就听过李红旗和张小饼的现场，但那时候更像是双人民谣，而做成乐队，在比赛中并不讨喜。毕竟现场的人大概是很难享受安静的时刻，费尽辛苦去那边，不就想high一下嘛。所以不管是《歌手》现场，还是《我是唱作人》现场，唱安静的，大流行的都不讨喜。

因为人群需要新鲜，差异，需要发朋友圈有点逼格在绽放。不管是不是真的懂了，但至少要让别人看起来我懂了，这个你我都懂的。

所以海龟唱《男孩别哭》，大家就给很高分，而《咿呀呀》分并不高。这就像是在摇滚舞台演民谣，台下本来等待pogo的人一下都蒙了。但我还是很喜欢这个版本，相比之前两个男人并行的咿呀呀，这种复调从头到尾的唱法对乐队来说是很有新意的。

这期看起来乐队的声音没有之前流畅，因为本来合作就是艰难的。遇见适合的人是双赢，而不搭嘎则是两人三足，再也无法正常走路。之前《歌手》大多是演唱人自己去请，而节目组分配的话，很难说得上称心如意。这也凸显了流行文化里，乐队的弱势。这群在线下怼天怼地的个性人士，在学着如何跟商业宣传相处，笨拙的样子真的很可爱。

现在其实已经好多啦，以前看台湾综艺还扔鸡蛋各种恶搞，什么都聊就是不聊音乐。不管这个夏天乐队文化能否出圈，至少在圈内，之后他们巡演会增多，能够好好地靠做音乐本身恰饭，这样已经足够棒呆。

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继续追《乐队的夏天》，来说说第六期。

第六期延续着上期盘尼西林的不插电版《new boy》，张亚东提出让乐队使用不插电的形式做call out。对于不练乐器或者只图pogo的人，大概对不插电是无感的，而且还会纳闷，觉得这群人怎么一点也不摇滚，给我汗水宣泄和疯狂，我要首首都像彭磊唱《花火》。

实际上我觉得真的有质感的乐队，都会很喜欢不插电。为什么呢？因为不插电对演奏者的要求很高，到底谁爱音乐谁是在唬烂，听一下就清楚。节目的科普很到位，而时长有限，我来增加一点细节。

我们来说说不插电的缘起。在上世纪60年代，乐器声音还是比较偏原声，也就是acoustic为主，像鲍勃迪伦的很多歌，都是以木吉他为主，即使是披头士常用的音色，也更接近clean清音，而不像后来的朋克或Grunge，选用更加激烈的音色。

虽然后来出现很多美妙的乐队，比如枪花、齐柏林飞艇、平克弗洛伊德，他们把电声摇滚弄得风起云涌，但由于电吉他的进一步使用，导致更多乐队现场划水的情况变得常见。

你想一下，吉他手随便扒拉一下，声音就很大。那鼓手打错，听不出来，主唱破音也被盖住，精致的bass line更失去意义，反正也没人要听，要听的人也不太听得见，那还不如就无脑弹根音。这就像如果流行歌全是卡农和声或1645这些，那势必让懂得的耳朵味同嚼蜡，就像张亚东常说的，作为音乐从业人员，这样的声音让他感到无聊。

如果在过度电声的情况下，人们不在意主唱唱得好不好，编曲好不好，乐器的配合感是否精妙，对音乐性是很大的打击。而不插电应运而生了，它有点像当年logo满街修饰的日本，设计师们也厌倦了穿品牌这件事，所以他们创建“没有logo的优良商品”，也就是大家熟悉的无印良品。它的标签都可以撕掉，但那种风格，你一看就会觉得是这个公司，或觉得别人借鉴这个公司的。

节目组非常贴心的放了涅槃乐队的《纽约不插电》，如果你熟悉科特柯本，就知道这场演唱意味着什么，以及不久之后发生了什么。平时柯本用的音色，以及现场的狂傲，和这场形成强烈反差。这就是不插电的基本特征，并不只是强调原声，更强调编曲的美妙和现场的【反差】。

也就是吴青峰在评价痛仰唱《我愿意》时说到的，“铁汉柔情”

你去看豆瓣评分9.7的《Unplugged In New York》，有鲜花蜡烛岁月静好，鼓手用轻质鼓棒降低鼓的声音，柯本的嗓音得到极大的提前，《come as you are》的吉他riff清晰可闻。在这种情况下，弹错一点，唱错一点，都是无法掩盖的。不插电对乐手和主唱都是一场噩梦，如果他们的演奏编曲技术，演唱能力不达标，而敢于尝试不插电的，通常都是很厉害的音乐人和乐队。

面孔是非常适合不插电的，因为本来他们更接近于老摇滚的重型。吉他riff像极了Metallica的《fade to black》。这首歌虽然听起来很重，但前面不插电的木吉他段落非常迷人。同样迷人的还有齐柏林飞艇的《Stairway To Heaven》，这首的电吉他solo经典程度不用我说，但前奏萦绕不去的，由第5把位的Am和弦延展出的连副段，弹木吉他也请不要错过。

刺猬乐队这场所展示的，是地地道道的不插电，连贝司都用的木贝司。其实不插电对刺猬很吃亏的，因为阿童木的鼓是编曲里很重要的推进，而不插电要弱化鼓，突出吉他和主唱的嗓音。这场他们很巧妙地加入了大提琴，冲淡了鼓的躁动，让律动更为温和。如果说宋冬野《董小姐》里的大提琴是忧郁的一角，这里的大提琴就是温暖的网，它托起人们坠落的心，让你可以躺见那片《白日梦蓝》。

另一场无比精彩的不插电，《Unplugged: Eric Clapton》，如果你弹木吉他，这场真的可以看它个上百遍。克莱普顿被称作木吉他之神不是没有理由的，以至于爱他爱得不行的john mayer一个人一把吉他， 不插电弹奏《Neon》，前奏一出来就帅翻了，弹奏难度也是一等一。后来我看到李健发了一小段这首歌的弹奏，留言里大多在说哇健哥好帅，仿佛只是看到一张活动的自拍。而如果你更懂得听，李健很明显比看见的更帅，不信去听听水木年华时期，他solo的《中学时代》。

其实这两场都不是人群最熟悉的不插电。最熟悉的是啥？当然是《hotel california》，这首歌有很多版本，而大家最熟知的就是94年冰封地狱演唱会的unplugged版。那一天，这群老家伙齐齐坐成一排，几盏追光落下，美妙的前奏与尾奏，器乐与人声达成美妙的交织。所以几乎从早期卖MP3到现在卖耳机音响，总能听到它。据说好的设备能听清他们坐的位置，第一声鼓下那个低音要了亲命。我曾在成都来福士下索尼旗舰店的一角试听，几万的播放器加几万的耳机，深深地种草，摸摸钱包，再深深地叹息。

以中文不插电来说，在加州旅馆的隔壁，常常是王菲的《天空》。你去听听看这首歌的层次感，那就是编曲人生命的丰富展现。你听随意复制粘贴的编曲和这首歌的经典编曲，仿佛看见一个刚入行的tony和三十年老Kevin在你的耳际对决，你一定会听见差别的。吴青峰以前常说这张唱片给他的感动，我想除了空灵的嗓音，也为音乐性所深深吸引吧。

看了以上分析，你会发现click 15在这种偏摇滚取向的不插电里不占优势，遗憾的被淘汰了，但他们的音乐性无疑是非常强大的，谁敢用键盘和摇铃的组合啊，明明主唱弹吉他弹的那么好，居然都不用了，把嗓音提到最前，在比赛中也是太敢。

看完第6期，我很有理由觉得节目组在划水，时间不够，花絮来凑。但是他们普及了不插电这一概念，所以这一期我也很爱，并不是用木吉他弹弹《同桌的你》就是不插电了，而更像是你隔壁那个校园霸主道明寺，突然有天变成了杉菜旁边温顺的乖猫。

借着机会去听听不插电吧，我倒觉得对初听乐队的人来说，这个音乐形式因为很像民谣，更容易入门和循环播放。音乐从来不只是大声与小声，舒缓不一定是安静，也可能是呆板与无聊。就像人们以为的躁郁之王radiohead，你去看看他们的不插电现场录像，那些奇妙的，让人飞翔的原声和弦过耳难忘。所以在《西部世界》里，酒吧里的钢琴自动演奏他们的歌，毫无违和感。

不管是痛仰之前有不插电精神的柔情《我愿意》，还是蔡健雅之前编曲几个月就演了一晚上的《my space》专辑，如果你尝试去弹奏，会知道里面的心思与温柔。

希望经过这个夏天，人们可以听听降噪不插电，子健可以砸琴不差钱。————————————————————————————————————————

继续追《乐队的夏天》，来说说第五期。

喜欢Click#15。如果前几次他们的现场主要表现在律动，芬克的切分感，这次唱邓丽君的《我只在乎你》，则更多的在和声上，相比原曲有很多改变。增加了很多高把位的增减七和弦，唱起来旋律却并不改变太多。

这样感觉编曲，方大同版本的《红豆》也玩过，把王菲的流行情歌改编出爵士的感觉。这样的改编在现场是很吃亏的，因为大家乍一耳朵听过去，咦难道不是差不多的吗。实际上当你学过乐器，并厌倦了常见的大小三和弦，才能更容易听出增减对耳朵的刺激及新意。

就像上场痛仰唱《我愿意》，改变和声及增加半音旋律，群众很容易觉得，咦，怎么怪怪的，是跑调了吗？

这样的东西周杰伦也很喜欢玩，而且玩得很大，他不拿西洋的曲式玩，反而在中国风里内嵌。比如《菊花台》，标准的中式五声音阶旋律，你仔细看编曲，在过门增加了很多爵士味的增减和弦在里面。你去听听《止战之殇》前奏的钢琴，很有感觉的琶音。如果你再仔细听，伴随笔划过纸张的声音，有种写信的感觉。这些音乐的细节，如果不注意很容易错过。

当年《爱乐之城》上映，突然好像大家都懂了爵士，但我觉得连C和弦构成音都不清楚的人，大谈特谈爵士，本身就很奇幻。要知道光是爵士的和弦书都是厚厚一本，更别提solo和即兴了，那就是时间的碾碎机，进去就出不来的。

Click#15这么好的音乐感也被扔进了待定池，希望他们可以重新回来。毕竟看到他的吉他坏了都只能用胶布黏住，还是有些心酸。

接下来到了我最爱的朴树歌曲改编环节。

首先说《生如夏花》，看着猴子军团改这首歌的时候，背景用了50轨，我就觉得他们应该要输了。来想想《生如夏花》是一首怎么样的歌？首先有一段朴树乱唱的前奏，很像后面《在木星》的仪式感，而在《那些花儿》的结尾，朴树也唱一些没人能懂的“树语”。

我感觉《生如夏花》这首歌有一种夏夜秘密的感觉，我觉得他在呼应《我去2000》开篇“没有人仰望蓝天/繁星密布的夜/我和我那些秘密/又能唱给谁听”。生如夏花是带着某种不可名状的心情，赴一场忐忑不定的约。

这样的心情，注定和新金的感觉是背道而驰的。我倒觉得《我去2000》后面的“泥锅泥瓦你滚蛋 你追我赶到2000年”，朴树在里面反讽的唱着，这有多么美啊，我的天。这样哭笑不得的沮丧，如果用大嗓唱出来，一定会很好。

朴树的忧郁就在于，就算他唱着，我是这耀眼的瞬间，却都喟叹于，好遗憾，为什么仅仅只能燃烧这一瞬间啊。而不是新金要的，来，看老纸炸裂给你看。在最欢乐的顶点习惯性动物悲伤，也许就是那么多人爱朴师傅的原因，

接着说《new boy》，十多年前刚学吉他的时候，吉他协会的会长会用切音弹这首歌。每次我都看着流口水，为什么说是切音呢，因为朴树的原曲有一种迪斯科的感觉，而且比新裤子的更重。那是一个用着win98，要跳跃进新世纪的酷男孩，满含阳光的进行曲。

而若干年后，在《猎户星座》里，朴树把这首歌重新填词，改名《forever young》，迪伦也有一首同名歌，是很清雅的祝愿歌曲。而朴树的新《new boy》，比原曲更加疯狂的重型编曲，大概就是新裤子这场演出想要展现出的精神：说我老了？老纸还能打100个。

一首两个版本一个比一个狂躁的《new boy》，显然很适合盘尼西林来做unplugged的改编。不插电音乐本身强调的不是轻柔，而是和重型原版的反差。而且这首歌和声本身抽离出来，是很卡农的，本身就很符合轻柔流行的感觉，所以前奏一响，就仿佛回到复古温柔的年代。

小乐在扫弦的时候，用了更为轻快的folk rock，而不是原曲的八分切音，降低了攻击性，增加了惬意感。这种感觉，朴树的《猎户星座》尾声的时候，乐声与人声的合奏也有。

反正这一段我就一个感觉，朴师傅写歌写的太好了，怎么改编都好听哈哈哈。

然后张亚东哭的不成样子，也许我到了50岁也会这样吧。记得那时听《new boy》时我刚十八，一边练吉他，一边看《恶作剧之吻》和《火影忍者》，而现在也是走到哪里都被叫大哥的人了。时间从来不为谁停留半分，我们能做的，也是只在喜欢的地方，和喜欢的人，努力的生存，用心的生活。

接下来说旅行团。从《来福胶泥》我就喜欢上他们，最开始很有种法式香颂的清新感，《lonely day》也好，《小南》也好，都很符合旅行团这个名字。这几年感觉从p型离开开始，他们的音乐变化很多，虽然曲调还是轻松，但我能感到里面的紧张。生活的压力和生命的尊严，李宗盛歌里唱到的永恒对立，也会如实的写在他们的歌里。所以他们唱《于是我不再唱歌》，也唱《逝去的歌》，孔阳也从阳仔改名成了一蝉。

沉睡七年的蝉，换取七天的灿烂，阳仔大概不想再假装坚强，索性躲进夏的树荫，做小蝉一只。

说说《氧气》，这首歌本身就是让人窒息的伤感。而旅行团的改编，让人仿佛置身海中，时而要停止呼吸，时而又浮出水面。改了很多调，速度也变化。这是很不常见的，一般歌曲就升一下，速度通常都不变。这对编曲和主唱要求都非常高，很容易跑调或者掉拍。我们才华横溢的老香蕉，自从知道《安河桥北》他做的工作，我就更喜欢他。

最后说说反光镜和新裤子的对决。很喜欢反光镜那种轻松的表情，不知道为什么总有认觉得朋克就是三和弦好简单。那都是好早好早的青少年了，就看这速度一般乐手就承受不住，更不要提在高速演奏下，一些很精致的过门，吉他、贝司、鼓的配合，不信你听反光镜版的《you are my sunshine》。就像green day，很多歌听起来并不难，但我很少听见现场弹成那样的，大概就是嘴上功夫比较容易训练。后面他们的歌，还有九分钟的。试试弹或者敲九分钟的朋克感，不是练家子早就累趴下。

新裤子这次真的没有变成旧裤子，比起迪斯科的轻松感，这次彭磊燃烧起来了，给子健都听哭了。这大概就是很多人热爱摇滚的原因，因为这样的音乐，会让人保持年轻。不只是愤怒和躁动，而是那种廉颇老矣，还能顿顿三大碗干饭的现世奇迹。

好久没有这样每周追着看，追着写，大概自己也被一些瞬间感动了吧。乐队的夏天很精彩，也许并不会得到巨大的关注，但是能感受到一些纯粹，在这个娱乐至上的年代，还是很让人开心的。毕竟摇滚乐最重要的不是引起争端，而是唤起思考。

摇滚不是放一把肆意燎原的火，而是声声温暖被现世伤透的敏感心，在寒意四野的夜。

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由痛仰改编《我愿意》说开去，前四期观后感。

最近在追《乐队的夏天》。在最新的一期里，痛仰与面孔乐队PK，改编王菲的金曲。痛仰的改编《我愿意》被所谓“专业乐迷”认为不痛不痒，甚至被说无聊。口水与流量齐飞，热闹的争论像极了青春里，每个燥热不平的不息日子。

我很喜欢痛仰的这个改编。首先来思考下，《我愿意》是首什么歌？当然在听觉上王菲唱的是爱情，但创作者黄国伦更像是写给信仰的灵歌。有点像阿岳的《抱着你》，乍一听也是首情歌，但是不插电编曲加一镜到底的mv，更有种教堂般的安静和仪式感。

我记忆中的《我愿意》，是一首内敛的歌，它不是那种结婚时当着所有亲友大喊的我愿意。而是那种月夜悄悄，两个人要私定终身时的相愿，胆小羞怯又平静无畏。

就像面孔改编的《流年》，原曲编曲最让我喜欢的，就是一开始重重的鼓。听起来真有种彗星撞地球的宿命闪现，所以林夕在歌词里写，有生之年狭路相逢，终不能幸免。王菲在屋子里面唱着，炉火静静地旺着。

所以我也喜欢面孔的改编，他们将本来编曲里木吉他缠绵的宿命，演绎得非常热烈，也更像更多人聆听习惯里的摇滚乐呈现方式，在音乐现场非常占优势。这点在《歌手》或是《我是唱作人》得到了很大验证，人群喜欢荷尔蒙的直接碰撞。

于是我又更喜欢痛仰的改编，因为提到痛仰，噪就完事儿了。而这次他们选择不噪，在一个需要躁动的比赛中，这很酷，是一种安静的叛逆。所以青峰说，他不觉得这首歌松散，而是铁汉柔情。

说到铁汉柔情，我会想起《Stairway to Heaven》前奏的悠扬，会想起《more than words》打板的轻松，会想起《wish you were here》的轻轻伤感，在一个喧闹的世界，安静的总是要吃亏啊。

如果痛仰想，把我愿意改编成一个pogo版的《公路之歌》 ，也不是没有可能。但高虎说，要做减法，对啊，之前他们不也做过降噪不插电演唱会吗。unplugged，永远是摇滚乐质朴而穿透的呈现方式。

于是你听到的《我愿意》，除了演唱上增加了半音，整体的和声也增加了听觉的刺激。这种刺激不是疯狂的外显，而是内敛的安静。是花前月下的酸涩喜悦，不是对着千万人的嘶吼。说起来只是一个半音的差别，那C都能变成Cm了。大调能变小，忧郁的感觉听起来，听众很容易觉得怪。

因为人的耳朵会被培养，也是很容易被模糊的。当你听多了排行榜上推送的流行歌，很容易习惯某种悦耳。很多歌的和声抽离出来，都像是车间上压缩整齐的饼，而稍微有个饼没那么圆，就会被唾沫淹没。

所以啊，我喜欢的艺术总是带有一点叛逆。就说海龟改编的，苏打绿的《日光》。当年《春·日光》发行的时候，这个歌有好多版本，听起来都很清新。但正式版里多了“水濂遮蔽 海妖歌吟 夜燕窜袭 金手抚息”，也就是海龟抽离出来当前奏的一段怪怪吟唱，甚至这首歌的改编都围绕着这几句的气息。我想这也是青峰听得很满足的原因，也许当年他觉得日光的曲太欢乐了，所以故意加这么一段进去，让它更有戏剧张力。

这样的感觉延伸出来，就是苏打绿的《白日出没的月球》。我一直觉得这是早期他们编曲上最“激进”的作品之一，而没有想到休团前的《冬·未了》，词曲唱编都更加扩大出这种感觉。

这种感觉耳朵很难嚼，它不是《小情歌》的钢琴悠扬，不是《简单生活》的木吉他闷音轻松，也不是《小宇宙》那样的电吉他制音态度张扬。所以有理由相信他们考察了市场后，还是决定做一张自己喜欢，但很大概率不太会卖的唱片。而且在金曲奖获奖无数后宣布休团，魄力十足。

在乐团历史上，让我想起当年披头士厌倦了巡演，钻进录音室捣鼓出一张不可能现场演奏的唱片，《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band》。这也是张亚东说到的，披头士除了感情，背后的音乐性，和声走向，演奏，饱满的想法让他感动。

相比刚开始的嘉宾高晓松，我更喜欢现在出场的欧阳娜娜。很有可能是一个直男比较喜欢美女，但也许只是更喜欢年轻吧。我觉得大紧老师太活在黄金年代里了，虽然他在书的扉页上写终于老的可以谈谈未来，而实际上他还是太容易沉浸在关于过去的感动里，如同现在的我，总觉得高中的头发要多几根。

在中文歌里，《钟鼓楼》和《月梦》一直都在我的排名前列，虽然我想要教它们给同学，却时常感到无力。这是个连《以父之名》都有很多人觉得土，不想再听的年代。但我总是保留着一些乐观，只要有人用那几个和弦唱起歌，音乐就穿越时空的扎进了人的心，生根发芽，无论早迟，终于相逢。

娜娜虽然看上去只是个负责颜值的嘉宾，而实际上她在自己的演奏现场，执意要演奏一首《红莲の弓矢》，也就是最近每周热搜却不太搜得到，美食番第一季的主题曲。作为理应热爱原声感的古典乐演奏者，她却更想和乐队合作，连大提琴都选黑色的。那种拼尽一切只为进个地下室的燃，就是不动声色的青春，是一个古典乐美少女，在音乐上最直接的碰撞。

古典和摇滚隔得很远吗？如果你听披头士的《All you need is love》，在五十多年前，就已经和交响乐队合作。所以我爱的团儿们，喜欢在现场引入交响乐的演奏，更为宏大饱满，也打破更多壁垒。

张亚东在《乐队的夏天》里金句频出，但看了幕后花絮，你会发现他现场说了更多。他对很多乐队都很宽容，也并不像剪裁出来的那样，有特别明显的批评。他在这里是非常让人放心的，毕竟他编王菲的《闷》，酷到不想什么永恒。也编朴树的《且听风吟》，在黑夜里轻收我心。尤其是最后几小节的吉他段落，非常好听的收尾，却又让人意犹未尽。

最近我开始感觉到，年纪渐长的好处，就是变得沉默。要是早个十年刚学吉他，我一定会很容易跑去站队，最后音乐没人听，只剩情绪的噪音。

你瞧这世界，豆花吃甜的或咸的可以吵个三百年，音乐的喜好，本也没有个定论。何况多年前林肯公园的《Hybrid Theory》就已经演绎了大杂烩风格的动人。皇后乐队用摇滚加歌剧，做出《波西米亚狂想曲》，绿日用朋克加歌剧，做出《Jesus of Suburbia》，九分的长度简直要了鼓手的亲命。

摇滚就一定要躁，也不知道是谁最先说出来的。你看保罗写《yesterday》，绿洲写《wonderwall》，列侬写《love》和《imagine》，尼尔杨写《heart of gold》如果摇滚乐只是荷尔蒙的迸发和身体的碰撞，大概也不会像现在这样充满了生命力。就像酷玩写《viva la vida》，写国王就在编曲里用战鼓，充满了历史的丰沛。看起来那么躁的柯本，不也唱唱纽约不插电吗。

摇滚从来不是只有愤怒和批判，就像鲁迅也从来不只是一个怒客，只是人们很容易刚接触到表面，就已经吃饱搁筷。流行文化好像精心准备的压缩饼干，稍微推送吃吃，就已经撑啦。

就像很多人提到川菜，都觉得麻辣麻辣麻辣。但实际呢？鱼香、椒麻、怪味、糖醋、酸辣、五香……我的妈啊百菜百味真的钻进去了就不太出的来了。就像我曾经跟人苦口婆心的解释半天，他就觉得川菜就是只有辣，粤菜就是只有淡出个鸟。你就知道总会遇到无法品尝出层次感的人，他可能就是张亚东现场说的，用正拍给雷鬼打节奏的人，而不幸的是，这样的人还很多。清醒的你较真的话，大概就只能自闭出内伤啦，毕竟你们只是恰好孽缘共享同一时空的，不同时空的人。

话说成年人的沉默是木讷吗，大概也不是，也许安静能更好的解释这一切。并不是小声唱歌，原声钢琴或吉他，就一定是安静的歌。复制粘贴出的芭乐音乐，很容易让人听觉疲劳。而朴树的《猎户星座》，就是难得的，不让人疲劳的安静好歌，正好制作也是亚东。

要看起来酷是很容易的，要真正酷大概是天生或后天疯狂练习，我想朴树和张亚东的组合就是这样吧。

说到参赛者，我很喜欢刺猬的那首《火车驶向云外,梦安魂于九霄》，但我的点很奇怪，并不太被“一代人终将老去 但总有人正年轻”这样的句子感动，而更喜欢这句词“我那些烂曲 流窜九州”。听到的时候笑惨了哈哈哈哈，有种老纸随便写首歌居然红了真的没天理的那种屈辱。听到的时候一直想着周杰伦，看自己的《告白气球》大红的感觉，明明写《床边故事》写好多段唱腔换了又换，以前写个广告歌《乱舞春秋》，八段副歌还加个蛋都不红。

所以嘛，有时音乐人真的是很孤独的，子健写了这么丧噪的歌也要没天理的去搬砖，李宗盛当年考音乐学校也都扛龟，资质平平小李子，哈哈哈。

看《乐队的夏天》，总是让我想起很多关于乐器的故事。一日吉他手，终生摇滚客大概是说的旺福小民吧，听起来是人畜无害的快乐音乐，但若你要去追求背后的音乐感，一定会很满意。你会发现他们用的和声，solo的音阶，还有编曲的段落都很旺福。很早以前他们改编的《恋爱ing》，我就听了好久。以前苏打绿改编《我的未来不是梦》，也是听了好久。好的乐队就是个有机的生命体，会生长也会离散，能够用耳朵见证着这一切，大概也是身为乐迷的幸福吧。

我一直都很喜欢旅行团，看了他们好多次演出。别看现在人们夸我会做饭，刚毕业时孤苦伶仃结果遇到他们出《等你吃饭》ep，还拍了看起来很不好吃的做饭vlog，结果我看到觉得哇会做饭真是太幸福了，结果一边听歌一边研究烤鸡翅。能从一段孔主唱做三明治的视频爱上做饭，我一定是被音乐催眠了。

最后要说说很酷的九连真人。我记得马世芳一直都很推荐林生祥，小众语言在传播上会弱，但并不代表音乐的弱。九连的表演，连颜艺我都好喜欢，真的像在看个小话剧。在开播时大家面面相觑不知道这个真人是干啥的，到第四期唢呐出场躁动全场，这匹黑马相信会热闹这个夏天。民乐要的从来不是人多，《十面埋伏》，不也只需要一把琵琶。不要小看小地方的人啊，你看刘慈欣不也是待在小地方吗。

莫欺少年穷，因为他们唱着凡人歌，走向山与海的未来。我并不过度怀念过去若干个看似美好的夏天，如同我不怀念头发浓密的从前。日子不是歌，日子与歌相伴，如同早就默契到老的，安静沉默的爱。

三十年河东，从不属于我； 三十年河西，我要悄悄看着，这新世界绽放。

原载公众号「虹膜」。

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《乐队的夏天》里最新的一期，盘尼西林唱完改编的朴树的《New Boy》，张亚东哭了。

他摘下眼镜，跟大家说对不起，拭着泪。

然后他发微博，承认自己对这种感动，「毫无办法」。

在那一刻，他不再是金牌音乐制作人，也不再是中国流行音乐教父，而是一个乐迷，一个对音乐永远保持热情的New Boy。

因为这段眼泪，《乐队的夏天》也得以完成了把中国的摇滚乐文化，或者再宽泛一些，青年乐队文化推向大众的目标，即便这里面的许多人，已经不再年轻。

在很长一段时间里，流行音乐和摇滚音乐是一组相对对立的词，非要概括，或许可以用大众VS小众这样粗暴的概念。

在这几十年的发展中，两者的逐渐融合让这种界限开始模糊不清，而张亚东便是中国音乐圈中，让这两股风格融合在一起的重要角色。

有一个说法是，在张亚东之前，北京音乐圈中关于摇滚和流行的界限是非常清晰的，但在他开始帮不同风格的音乐人制作之后，两者开始渐渐互通。

比如他很喜欢地下婴儿乐队，而王菲的《闷》就是直接受这支乐队风格的启发；再像是至今仍然被看做先锋姿态的《浮躁》中的那部分Lo-Fi风格，也是当时的流行音乐圈中非常少有人尝试的操作。

《乐队的夏天》中的这31支乐队，有的在乐迷圈里听起来是爆炸性的量级如新裤子、痛仰；有的则相对年轻，如VOGUE5、BongBong。但对于非乐迷群体而言，这些名字无疑是陌生的。

节目其实并没有要传播摇滚文化，或说摇滚文化在如今，至少在这档节目的乐队构成中本身已经是一个不被特意强调的概念；它也并没有想要让大家真的了解、熟悉这些乐队，因为节目的主要形式，是让这些乐队翻唱大家耳熟能详的金曲，而非对这些乐队的代表作进行再展示；但它毫无疑问完成了从小众跨越到大众的突围，作为一档娱乐节目，这足以被称之为成功。

而在这背后，它让人想到的最重要的问题是，乐队文化/摇滚乐文化究竟如何影响了青年一代的生活？

这和乐队文化/摇滚乐文化是什么，是同一个问题。

摇滚乐文化对于国人而言是种舶来品，这还要得益于国门大开之后，作为工业垃圾来到国内，出现在北京和沿海城市天桥和地下通道的那些打口带。

它们是时代的衍生品。

就像张亚东说的那样，「每个人都不能单独拎出来，独立于那个时代，那时代周围的人。」

中国乐队文化也是如此。

中国摇滚乐从崔健的《一无所有》开始几乎已经成为了一种共识，但事实上摇滚文化的萌发比这更早，一种说法是从七合板乐队和不倒翁乐队开始，第一代摇滚人几乎都与这两只乐队有关。

而在崔健自己看来，时间线可能还要早一些，「对我们影响很深的一个乐队叫北京地下，也叫大陆乐队。他们在做摇滚乐的时候我们七合板还没有开始组建呢。」

从崔健、唐朝、黑豹，到魔岩三杰、北京新声，中国乐队文化风格背后站着的，都是我们所处的时代的历史。之所以不想用摇滚来作为限定词，是因为这种现象同样广泛存在于流行音乐领域。

就像前不久刷屏的罗大佑演唱会承载了一代人的时代记忆一般，在他进入大众视野的年代，恰好是台湾向解冻期转型的年代，从这个角度上来说，罗大佑的文化意义和崔健几乎等同。

他们所代表的精神与表达，早就已经超过了音乐本身，是青年一代在当下的困苦，对未来的期冀，也是时代的呐喊。

张亚东说起过一段很久远的经历，在早年间走穴演出的时候，乐队的一把吉他丢了，在他们报警之后，剧场的看守者就上了吊。

张亚东这么解释他的感受——

我有点理解那种压力，特别是在那个时期，我突然觉得人们还没有摆脱一种沉重的东西。我后来也意识到，那个时候的流行音乐，不只是一种音乐，它更像是一种精神寄托，我能体会到观众需要那种声音。

音乐更像是一种精神寄托；而制造这些音乐的人，便成为了某种意义上的精神领袖。

我们或许可以称之为精神的偶像，它所对应的是利奥·洛文塔尔在《大众偶像的胜利》中所定义的第三阶段，第一阶段的「生产的偶像」多为一战之前政治、商业、科技等严肃领域中的名人；第二阶段则是战后在电影界等娱乐领域中的「消费的偶像」；第三阶段则在五六十年代前后，与二战结束后的时代变革声息相通。

哲学思潮、电影运动、嬉皮士一代，鲍勃·迪伦、披头士、大卫·鲍伊，它们不再仅仅是一些名字，而是成为了一类指向某种共同意识的名词，乐队文化、摇滚乐文化、嬉皮士文化都可以是它们的代名词。

但这些名字最根本的意义在于，通过音乐，聚集起一点什么，再反对另一些什么。

身为乐迷的我们，在追随这些音乐和音乐人的时候，也因为这种聚集和反对，确认了一部分自我。

《乐队的夏天》一个特别的设定是，张亚东等人，并不是作为导师或者评委的身份坐在台下的，而是以超级乐迷的身份坐在台下，以乐迷的身份去感受和聆听。

当然，在点评的过程中，他会运用专业技能，即从纯理性的音乐技术层面去为观众解读音乐、科普中国摇滚乐发展史；但更深一个层面，他是从完全感性的层面，即艺术的创造力层面、它作为一件公众产品，和私人体验的切入之处去感知音乐的。

张亚东看到小乐坐在那里唱歌，就想起来了帮朴树做《我去2000年》那张专辑的日子，朴树把自己租的房子的地下室改成排练室，两个人一边看世界杯一边做唱片，很艰难，很多时刻都感觉要做不下去了，但是，那就是个做音乐的最好状态。

那是张亚东的理想年代。

我们之所以会被摇滚乐打动，并不在于它的那些被人反复咀嚼的标签，比如反叛、自由、抗争、愤世嫉俗、怀疑，等等等等。

而是因为，摇滚乐所提出的问题，就是我们如何想象自己理想年代的问题。

这不由得让人想到鲁迅在《导师》中写过的一段话——「要前进的青年们大抵想寻求一个导师。然而我敢说：他们将永远寻不到。」

正如导师永远寻不到，这个世界怎么会有理想年代呢？

它只存在于我们的想象中，也正是它与现实之间的不同让我们落泪，而摇滚乐，则在那片刻之间，让我们看清楚了它的样子。

有趣的对应是，盘尼西林翻唱的《New Boy》之所以那么让人感动，一部分原因是它的歌词，勾起了许多人对千禧年之际充满时代元素的回忆。

歌里面唱：

快来吧奔腾电脑

就让它们代替我来思考

穿新衣吧剪新发型呀

轻松一下WINDOWS98

而罗大佑也在《未来的主人翁》中唱到

曾经一度人们告诉你说

你是未来的主人翁

……

我们不要被你们发明变成

电脑儿童

《未来的主人翁》是1983年，《New Boy》1999年，但却在某种程度上有了遥远的呼应。打动我们的真的是那种时代感吗？真的是回首再看，歌词中预言实现的电脑时代吗？真的是2000年以后，时代在变得更好还是更坏的问题吗？

是，也不完全是。

张亚东在哭过之后，戴上眼镜，说了一段仿佛是解释自己眼泪的话：「那时候我们写歌，叫《我去2000年》，大家对那个2000年，充满了期待，觉得一切都会变很好，结果好吧，就是我们老了。」

从《New Boy》的发行的1999到现在，刚好二十年。张亚东的眼泪，并不仅仅为盘尼西林改编的真挚而流，更多是为这二十年而流。

二十年等于两代人，人生寿命的约四分之一，说长不长说短不短，但足够少年老成，足够游子归家；足够乐队巡演全世界好几圈，足够一拨人聚了又散；足够当初稚嫩的创作者学会沟通、表达，或许还有妥协；足够那些当年狂热的音乐人们都有了家庭步入中年，然后看清楚这时代的样子。

往小了看，它是音乐从开盘带倒带时的漫长等待，到如今全数字化即时的改变；是从打口带到数字版权的线上时代；往大了说，它是老去，是岁月蹉跎，是前赴后继的New Boy；当然，也是和歌里完全不一样的21世纪。

不止张亚东，我们都经历了这样的二十年。回头看，竟发现那已是最好的时代，我们当时真是太天真。